论色彩在梵高绘画作品中的运用

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论色彩在梵高绘画作品中的运用

作者：曹宗欣

来源：《世界家苑·学术》2018年第06期

摘 要：梵高的绘画在色彩上表现出非凡的创造力，他对色彩的运用和表现是他众多绘画特点中最有价值的方面。本文通过对梵高当时外部条件和内心世界的剖析，并从色彩学的角度研究归纳了梵高色彩艺术的一些特征，以更深入地探究他在色彩艺术方面的独创性。 关键词：梵高；色彩；装饰；象征

受印象派画家毕沙罗的影响，梵高抛弃了他以前那种色彩暗浊沉重的画风，用最大的热情接受色彩鲜明、色阶丰富的印象主义绘画方法，并开始热衷于与这种方法最相适应的自然风景的描写，画面开始鲜亮起来，他用高纯度的颜色作画，创作出一种极具现代感的色彩装饰效果。在梵高之前还没有画家能够像他那样，将原色红黄蓝和间色橙绿紫直接画到画布上，在一系列高纯度的色彩运用中，梵高更偏爱黄色，对他来说黄色就是太阳的颜色，是光和热的象征！他虽不喜欢日光，但却迷恋于太阳，黄色使他狂喜，黄色使他入迷。这已不是调色板上的一种普通颜料，已经成为刺激他快感的力量。梵高以大面积黄色为基调的多幅向日葵作品所产生的艺术效果，就和哥特大教堂的色彩玻璃一样五彩缤纷、绚丽夺目。在黄色的带动下，梵高的作品上的色彩在明度与纯度对比都是十分显著的，从而产生了光亮明快的装饰美。奥里埃在分析梵高的技法时说道：“他的绘画的外部的材料方面，与他的创造性的气质完全相适合。所有他的作品都是刚劲的、粗野的、激烈的。他的色彩……是难以令人置信地光辉耀眼。他是我所知道的唯一的艺术家，能用如此强烈的颜色来描绘事物，在这种颜色中可以感觉到金属和宝石的闪光。”

在梵高作品中大块平整的颜色对比是显而易见的，有些作品与现代装饰画十分近似，如他的代表作品《向日葵》、《夜咖啡馆》。在装饰色彩中，色块的并置是一个基本法则，也是一个非常重要的表现方法。虽然在现代装饰色彩中没有将这个方法归功于梵高，但是在现代装饰色彩理论未形成之前梵高已经这样做了。梵高大块色彩的运用极具概括性和抽象性，像日本版画一样进行简化与概括，他从日本的套色木刻中认识了简化色彩的方法，即把一切自然物象的反光抽象掉，将一块又一块色彩并列在一起，并用坚实的线条围框起来。他用的是错综的浓色笔触涂绘画面，增强了画面的厚重感，物体的结构也就显示出来了，画面的装饰效果并没有削弱形象的结实有力的塑造。梵高的色彩不是背向自然靠纯粹的想象画出来的，而是面对自然写生调动他想要的色彩，用夸张、简化、抽象等方法，将自然中的色彩抽取出来，并在画面中分配着色彩，找到色块并置所产生的对比与和谐的最佳效果，给色彩的审美价值提升到从未有过的高度。这种色彩并置的方法已在现代艺术设计中被广泛运用。

用物理学的观点看黑与白不算颜色，理由是可见光谱中没有这两种颜色，被称为无彩色，以便和光谱的各种彩色区别。但在化学、生理学、心理学的观点上，都普遍认为黑白是颜色。作为物质的黑白颜色有其自己的化学成分，常见的就有锌白、铅白、钛白、煤黑、象牙黑等


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等。人们对颜色的感觉是依靠视觉功能作用于心理的现象，即通过感觉冲击心理而起作用。色彩在无意识中影响着人的情绪、性情和行动，在梵高之前还没有哪个画家将黑白不经于其他颜色调和而直接用在画面上，他在追求光亮明快的色块并置中，发现黑白在色块的对比中起着缓冲对比、协调色彩的作用，梵高在写给贝纳尔的信中说：“现在我来谈谈黑白的对比问题。以我的《播种者》为例，将画分成两个部分，上半部分是黄色，下半部分是紫色。当黄色和紫色的过渡同时对比而刺激了眼睛时，白色的长裤间隔作用能使眼睛获得悠然的休息。” 整幅画面的色彩基调是互为补色的黄和紫构成的，柠檬黄的天空和金黄色的太阳与占画面三分之二的紫色地面形成强烈对比。在梵高《母亲》的肖像中，背景、上衣、裙子三大块色彩都是绿色，惟独地面的大块色用了对比非常强烈的纯红色，梵高用黑色勾画出轮廓线，在红绿两色交接处产生了隔断，造成了一个缓冲的地带，起到了很好的协调作用。在梵高的作品中，用黑色勾画物象边线的同时，用白色块进行并置是随处可见的，具有非常美妙的装饰效果。在现代装饰色彩中，黑与白已成为十分重要的色彩，除了用大块色彩对比取得装饰效果外，采用黑白隔断的方法缓冲色彩对比的强烈刺激已成为一种定律。尽管人们没有去考证此方法是否源自于梵高，但不可否认的事实是，梵高是第一个用黑白取得画面色彩装饰效果的画家。梵高是一位色彩主义画家，他对色彩的偏爱到了一个极其狂热的程度，尽管这与他的精神失常有关，但不失对色彩发现与创造的光辉。色彩的耀目带来了装饰效果，梵高不满足于色彩表面的鲜亮与纯净，他也不是唯美主义的装饰画家，他不断地向色彩艺术的更深层次探究——色彩的象征性。他在写给弟弟提奥的信中曾谈到：“想要画一位艺术家友人的相。此人富于幻想，习惯于在夜莺歌唱时工作，因为这是他的性情。我要把他画成头发金黄的人，我要画出对他的评价，以及我对他的爱。起手时尽我所能忠实地照他的样子画他，但是，为了完成它，我现在要成为主观任意的色彩家。我夸张他的头发的金黄，甚至用橙黄色调，用各种铬黄和淡柠檬黄。在头部的后面，我画的是无限，一个我所能调制出来的最饱满、最强烈的蓝色平涂背景，而依靠把明亮的头放在饱满的蓝色背景上的这种简单的配合，我得到一种神秘的效果，有如在蔚蓝天空深处的一颗星星。” 这就是他所要表现的主观精神化了的色彩，而这种色彩无疑已具有一定的象征性。 梵高的作品都是面对自然物象进行写生，他所表现色彩是自己主观的需要，从自然物象中抽取出来表现自己的情感。色彩在绘画中本身就带有明显的情感因素，使人产生联想从而引发一种象征意义。如红色令人联想到火与血，它既是积极、进取、喜庆的象征，又是危险、警告的象征；黄色具有光亮夺目、旭日东升的色感，因而有着光明、希望、明朗、高贵的象征意义；绿色是自然界生命的色彩，是理想、和平、青春的象征等等。色彩的象征性给画家们带来了广阔的创作空间，作为色彩大师的梵高对此有着清楚的认识，他在研究色彩中看到了象征意义，并试图用色彩的象征来表达自己的情感。梵高把两个互补色的混合与互相补充视为一对恋人的象征，来表达他对恋人之间存在的神秘而又颤动的情感。在那幅著名的《夜咖啡馆》作品中，梵高认为咖啡馆是让人们自己毁灭的地方，他用黄绿色和绿蓝色构成对比，所有的一切均处在像魔鬼的炼狱般淡淡的硫磺色氛围中，象征着痛苦、黑暗及昏昏欲睡的人们的压抑。梵高把自己的两幅《向日葵》说成是象征着感激之情的作品，他之所以这样说，是想通过鲜明的黄色表达他对所居住的阿尔小镇那充满阳光的环境给他阴郁的心情打开一扇天窗的感激之情。随着精神病的不断发作，梵高的色彩悲剧的象征性日益增加。在他临终前用青和绿所画的《暴风雨天空下的田野》，就是对他自己的悲哀和绝对孤独感的表现。那幅可以说是绝命书的画《落


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着乌鸦的麦田》，则是在黄金色的麦田和普鲁士蓝的天空下映照着成群飞翔的乌鸦的黑影，巴黎那种流转云雀的恬静田野，在这里已经预示着被死亡的不祥之鸟所占据，黑色的乌鸦象征着即将到来的死亡。 参考文献

[1]〔荷〕梵高著，常又明译.梵高论画[J].世界美术.1979，（1）. [2]江丰.高更和梵高的艺术[J].美术研究.1980，（2）. 作者简介

曹宗欣（1992），女，聊城大学美术学院16级研究生，专业为美术，研究方向为油画。 （作者单位：聊城大学美术学院）

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